CHRIS KILLIP

Chris Killip (nacido el 11 de julio de 1946) en (Isla de Man) Reino Unido, fotógrafo que ha trabajado en la Universidad de Harvard en Cambridge , Massachusetts desde 1991, donde fue profesor de los estudios visuales y ambientales. Killip es conocido por sus arenosas imágenes en blanco y negro de personas y lugares.

En 1969 dejó su trabajo comercial para concentrarse en la fotografía que él quería hacer. El trabajo de este tiempo fue publicado por el Consejo de las Artes como Isla de Man: Un libro acerca de la Isla de Man en 1980. En 1974 recibió el encargo de fotografiar Bury St. Edmunds y Huddersfield , y en 1975 ganó una beca de dos años a partir del Norte Arte para fotografiar el noreste de Inglaterra.

En 1977 se convirtió en uno de los fundadores, comisario de la exposición, y asesor en la galería de la zona, Newcastle , y trabajó como su director durante 18 meses. Publicó en 1988 en flagrante. Estas imágenes en blanco y negro, en su mayoría hechas el 4 × 5 película, son ahora reconocidos como uno de los registros visuales más importantes de la vida en 1980 Gran Bretaña.

 En las imágenes de Chirs Killip late el pulso de los grandes fotógrafos del siglo XX, de August Sander a Paul Strand, pasado por Eugene Atget o Walker Evans. El maestro británico es una figura fundamental de la escena fotográfica de la segunda mitad del siglo XX. Su magnífica obra era, sin embrago, mal conocida en España.

Desde 1991 Killip es profesor de fotografía en la Universidad de Harvard. Sus fotos figuran en distintas colecciones permanentes de prestigiosos museos como el MoMA, de Nueva York, el Fine Arts Museum, de San Francisco.

La mirada curiosa y comprometida del maestro británico ha retratado los estragos de la desindustrialización en el Reino Unido y a los olvidados por el sistema.

Naomi Carmona Sánchez. 1ºA

Biografía de Alex Webb

ALEX WEBB

Nace el 5 de mayo de 1952 en San Francisco, EEUU.

Alex Webb se interesó por la fotografía durante sus años de escuela secundaria y asistió a Apeiron Workshops en Millerton, Nueva York, en 1972. Se especializó en historia y literatura en la Universidad de Harvard, al mismo tiempo estudiando fotografía en el Carpenter Center for the Visual Arts. En 1974 comenzó a trabajar como fotoperiodista profesional y se unió a Magnum Photos como miembro asociado en 1976.

A mediados de la década de 1970, Webb viajó al sur de los Estados Unidos,y fotografió en blanco y negro la vida de una pequeña ciudad. También comenzó a trabajar en el Haití, Cuba y México. En 1978 comenzó a fotografiar en color, como ha continuado haciendo. Ha publicado siete libros de fotografía, incluyendo Hot Light / Half-Made Worlds: Fotografías de los trópicos, Under A Grudging Sun, Crossings, el libro de artistas de edición limitada Dislocations y Estambul: City of a Hundred Names.

Haití y el paso a la fotografía a color

Precisamente en Haití fue donde Alex Webb, en un segundo viaje documental, tomó consciencia de que necesitaba el color para reflejar mejor lo que veía en un escenario con una luz y un color tan especial. Estaba tan obsesionado con la realidad que necesitó del color para capturarla.Posteriormente Alex Webb llevaría a cabo un trabajo clave que lo empezó a colocar entre los documentalistas más destacados. Fue en la frontera entre México y EEUU, donde también encontraba una luz especial que tan bien supo reflejar en historias. Una luz y un color que formaban parte de su particular atmósfera visual para retratar las duras y complejas historias de inmigración clandestina. Aunque Webb también mostraba especial interés por las mezclas de culturas, ritos y situaciones tan particulares de una zona de tránsito, fronteriza, un verdadero “tercer país”, como él mismo lo ha definido.

Alex Webb ha sido uno de sus más ejemplares fotógrafos gracias a realizar su trabajo con Kodachrome, aunque ya desde hace unos años se pasó a la fotografía digital. Eso sí, siempre con una cámara pequeña, una Leica M, que le permite aproximarse y mirar con curiosidad y discreción. De ahí que él mismo se haya autodefinido como un auténtico street photographer.


Web de Alex Webb

Manuel García Cepero

Biografía de Richard Avedon

 Raúl Lorente Borrego

Richard Avedon, autorretrato

 

Avedon fue el responsable de la revolución que sufrió el mundo de la fotografía de moda en los años 50, ya que consiguió que las modelos posaran de forma natural, riendo, andando y tal y como se portaban en su vida normal, en lugar de las envaradas poses a las que todo el mundo estaba acostumbrado.

Más adelante realizó unos retratos con una impactante calidad psicológica que, según sus propias palabras "son la forma de explicar a los demás muchas cosas sobre mí".
A los cinco años fue inscrito por sus padres en la Witt Clinton High School y después completó sus estudios en la Universidad de Columbia, de la que salió para inscribirse en la Marina Mercante Americana, en la que enrolado durante los años 1942 al 1944.

Cuando salió de la Marina se apuntó en las clases de Alexey Brodovitch, en el Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York. Fue precisamente Brodovitch, editor de la revista Harper's Bazaar, el que contrató a Avedon como fotógrafo. Durante años (1947-1984) se encargó de retratar las colecciones parisinas y docenas de reportajes de moda.

Alfred Hitchcock, 1956

Mientras tanto, la vida de este fotógrafo no se ceñía exclusivamente al mundo del glamour. En 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World's Ten Greatest Photographers (Uno de los diez mejores fotógrafos del mundo).

El año siguiente la editorial Simon&Schuster publica el libro Observations, con fotografías de Avedon y textos de Truman Capote.
Richard Avedon fue un artista que denunció con sus fotografías un sistema cruel e injusto para con los más débiles, a la vez sabe como nadie captar el lujo y la sofisticación de los diseños de Alta Costura.

Marilyn Monroe, 1957

Su frenético ritmo de vida le llevó a realizar exposiciones continuas de sus instantáneas por todo el mundo, y a publicar libros, entre los que se incluye su propia biografía, publicada en 1993 por Random House.

Sus retrospectivas se han exhibido en museos como el Whitney de Nueva York, la National Portrait Gallery de Londres o el Palazzo Real de Milán. Además, el trabajo de Avedon se ha podido contemplar de forma permanente en colecciones selectivas de prestigiosos museos como el Metropolitan de Nueva York o el Victoria and Albert Museum de Londres.

El fotógrafo neoyorquino falleció en el hospital San Antonio (Texas) el 1 de octubre de 2004 tras sufrir una hemorragia cerebral mientras realizaba un reportaje para el periódico The New Yorker.



Página oficial de Richard Avedon

BIOGRAFÍA DE PETE TURNER

Diego Sevilla Correa 

1º iluminación A

Pete Turner es un fotógrafo americano (nacido en Albany, Estados Unidos, en 1934 y que ahora vive y trabaja en Hamptons, Long Island, Nueva York) considerado un mago del color. Su fotografía, en general, destaca por el impresionante colorido y luminosidad.  Tiene la capacidad de trasladar su imaginación a la cámara, y transformar objetos y escenas habituales en una obra de arte llena de color con una visión muy personal.

 

Por su uso del color, Turner ha influenciado a múltiples generaciones de fotógrafos. El trabajo de Turner ha sido publicado en algunas de las más importantes revistas del mundo, incluyendo Life, Look, Esquire o Sports Illustrated.

Biografía:

• Obtiene su graduación en 1956, en el Instituto de Tecnología de Rochester, un momento en que no está todavía interesado por la fotografía y sí por el desarrollo de la tecnología industrial.
• En 1957 trabaja para el ejército en la División del Servicio Gráfico, donde puede experimentar con los materiales fotográficos y gran cantidad de productos químicos, sobre todo en lo referente a la fase de revelado y positivado.
• En 1958 se establece en Nueva York y al año siguiente publica en Esquire su primer reportaje, por el que inmediatamente es ampliamente reconocido.
• En 1976, junto a Ernst Haas y Jay Maisel, abre la galería Space, que se dedica a la exposición de fotografías en color, actividad que era poco reconocida por la pérdida que con el tiempo sufrían este tipo de imágenes.
• En 1978 lleva a cabo la fotografía publicitaria para Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg.
• Ha trabajado en el mundo de la publicidad para marcas como Bacardi, General Motors, BMW Motorcycles, Canadian Club, AT&T o Volkswagen entre otros, portadas para revistas desde Good Housekeeping a Playboy), y portadas de libros (en particular “The Complete Book Of Water Healing” de Dian Dincin Buchman , “Blue Moon”  de Luanne Rice y “Massacre Island”de Martin Hegwood), además de publicar varios libros sobre su propio trabajo.
• También ha fotografiado lugares exóticos y eventos de todo el mundo, así como a actores, músicos, modelos, políticos, la realeza y a los presidentes de los Estados Unidos con su propio estilo de fotografía.

Podemos encontrar más información de su obra en la red en:

• su página web www.peteturner.com
• Mago del color en enkil 
• Pete Turner en numerof
• Pete Turner en popphoto 

Ansel Adams

Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.

Ansel Easton Adams nació el 20 de febrero de 1902 en San Francisco, California. Fue considerado fotógrafo y ecologista. Captó el blanco y negro en la majestuosidad de la naturaleza En los años 30s desarrolló el Sistema de Zonas, Cuando Adams tan solo tenía 4 años, estuvo presente en el terremoto de San Francisco de 1906, donde sufrió una rotura de tabique nasal.

Hijo único de Charles Hitchcock Adams y Olive Bray, creció en un ambiente Victoriano (social y conservador). Pese a ser inteligente, era muy tímido, lo que, unido a la dislexia que padecía, le causó ciertos problemas al intentar integrarse en la escuela. Ansel Adams luchó durante toda su vida por defender y proteger la naturaleza.

Estudió piano durante varios años, lo que le dio disciplina y estructura. Se inició en la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres. Se unió a un club donde conoció a su esposa, Virginia Best, y se casaron en 1928, engendrando a 2 hijos.

En 1927 apareció Albert M. Bender en su vida, quien le ayudó dándole energía y seguridad.

En 1930, Ansel Adams conoció al fotógrafo Paul Strand. Sus imágenes tuvieron un gran impacto en Adams, ayudándolo a alejarse del estilo pictorialista y a encaminarse hacia el estilo de “straight photography” (fotografía directa, o pura), donde la claridad de la lente es lo más importante, y donde la fotografía ha de sufrir el menor número de ajustes y retoques posible.

En 1927 Ansel Adams conoció a Edward Weston, con quien entabló una gran amistad. Juntos, Adams, Strand, Cunningham y Weston formaron un grupo llamado "f/64" en 1932. Éste grupo promovió y evolucionó “straight photography”.

Adams fue destacando cada vez más por su energía y entusiasmo. Visitó por primera vez Nueva York en 1933 y conoció a Alfred Stieglitz, un fotógrafo al que siempre había admirado. Stieglitz le ayudó a hacer su primera exposición.

En 1936 colaboró organizando la primera sección de fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Ahí conoció a Beaumont (historiador de la fotografía) y a Nancy Newhall (escritora-diseñadora). Más tarde colaboraría con Dorothea Lange para un trabajo de la revista Life.

El 6 de agosto de 1953, Adams le escribió una carta a Stieglitz, para hablarle de su precaria situación económica. Fue entonces cuando comenzó a hacer fotografía comercial. No era algo que le encantase, puesto que creía que no lo dejaba explotar su creatividad, aunque le proporcionaba suficiente dinero para vivir. Trabajó para marcas como IBM, AT&T, Nacional Park Service y Kodak, y para revistas como Life y Fortune, además de ser fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Este trabajo no sólo sirvió a Adams para el mencionado sustento financiero, sino que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas reconocidas en todas partes del mundo.

Weston y Strand le comenzaron a pedir consejos técnicos. Adams desarrolló el famoso “sistema de zonas”, un método de medición y revelado que se utilizaba para dividir la graduación de luz de una escena en 11 zonas diferentes, del blanco al negro. Esto le permitía visualizar los diferentes niveles de gris en la fotografía final con gran precisión.

Sus imágenes empezaron a volverse símbolos de Angloamérica, muchas de ellas centradas en el parque natural Yosemite. Ansel Adams luchó por defender la naturaleza y a sus animales, siendo los paisajes el principal tema de sus fotografías. Precisamente por esto fue criticado a menudo, ya que raramente se podía ver a una persona en una fotografía suya. El fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo sobre él: “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles". Pese a opiniones como ésa, recibió en 1981 el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Algunos dicen que Adams fotografió lugares que ya ni existen, pero para otros ocurre lo contrario; algunos lugares siguen existiendo debido a Adams y su entusiasmo y esfuerzo por salvar estos lugares, a través de sus fotografías.

Murió el 22 de abril de 1984, debido a un fallo en el corazón, posiblemente agravado por un cáncer pancreático.

Toda o casi toda su obra está aquí.

Joaquín Galán Varo

Robert Frank Biografía

Desirée Guerrero Moreno                            1ºA ILUMINACIÓN

Robert Frank

Artista suizo,  ha realizado importante contribuciones en la fotografía y en el cine, nació en Zúrich, Suiza, el 9 de noviembre de 1924, proveniente de una familia judía en Suiza, de posibilidades económicas, producto de los negocios familiares.

A pesar de que tanto él como su familia permanecieron seguros en Suiza durante la Segunda Guerra Mundial, este conflicto con la amenaza nazi que cubrió a toda Europa, le abrió una visión sobre la opresión. Con la decisión de alejarse de manera definitiva de los negocios familiares, que se suponía debería seguir, se inclina por la fotografía, por lo que recibió entrenamiento por algunos diseñadores gráficos y fotógrafos, hasta 1946, año en le que publica un libro con su trabajo titulado 40 fotos.

Se traslada a Estados Unidos en 1947 y en la ciudad de Nueva York se emplea como fotógrafo de moda para la revista Harper’s Bazaar y al poco tiempo empieza a viajar por América del Sur y por toda Europa; en ese tiempo publica dos libros de fotografías en Perú y regresa a Estados Unidos en 1950, justamente a tiempo para participar en la presentación grupal  American Photographers. Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y a lo que el veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos.

En 1955, con ayuda de Walker Evans, recibió un permiso especial de la Fundación John Simon Guggenheim para viajar a través de los Estados Unidos y fotografiar la sociedad en todos los estratos, en los que tomo unas 28.000 fotografías. Solo 83 de estas fueron seleccionadas por él para ser publicadas en The Americans. Las diferencias con los estándares contemporáneos de fotografía dificultaron en un inicio la publicación del libro en los Estados Unidos. Les Americains fue publicado por primera vez en 1958 en París, y posteriormente en 1959 en los Estados Unidos.

 Realizó también varias películas como por ejemplo Pull My Daisy, un documental de 1972 sobre los Rolling Stones .

En 1961, presentó su primera exposición individual titulada Robert Frank: Photographer, en el Art Institute of Chicago. En 1972 publicó su segundo libro fotográfico, Lines of My Hand. Este trabajo ha sido descrito como una "autobiografía visual" y consiste en su mayoría de fotografías personales. En 1994, la Galería Nacional de Arte de Washington, presentó la exposición retrospectiva más abarcadora de su trabajo hasta la fecha, con el nombre de Moving Out. En los últimos años recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad y el premio PhotoEspaña Baume et Mercier.

http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/42/Robert%20Frank
https://oscarenfotos.com/2012/05/13/robert-frank-y-la-fotografia-gestual/

Biografía y obra de Robert Mapplethorpe.

ROBERT MAPPLETHORPE.

Robert Mapplethorpe fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente de flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages. Realizó sus primeras fotografías poco después utilizando una cámara Polaroid.

Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y retratos de su amiga, la cantante-artista-poeta Patti Smith. Estas primeras obras se presentaban generalmente en grupos o presentadas en marcos de manera muy elaborada cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta. A mediados de estos años, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico. Realizó retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.

En la década de 1980 realiza fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica.

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX.

También buscó la presencia de temática homosexual; utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sadomasoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento.

El “X Portfolio” de Mapplethorpe, que gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en “Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment” (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por “National Endowment for the Arts”. El “X Portfolio” incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano. Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la “American Family Association” aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno. Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la "Guerra Cultural Americana". La exhibición de “El momento perfecto” en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de "obscenidad y pornografía infantil". Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.

La “Corcoran Gallery of Art”, el museo de arte más antiguo de Washington DC, había accedido a acoger una exposición individual de las obras de Robert Mapplethorpe, sin hacer una estipulación en cuanto a qué tipo de temática se utilizaría. Mapplethorpe decidió hacer su famoso debut de fotografías "sexually suggestive" (sexualmente sugestivas), que era una nueva serie que estaba explorando poco antes de su muerte. La jerarquía de la “Corcoran”, e incluso algunos miembros del Congreso se horrorizaron al ver las obras, por lo que el museo se negó a continuar con la exposición. Más tarde, la comunidad de artistas de Washington, en represalia, ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de la “Corcoran”. Una pequeña organización artística sin ánimo de lucro, el “Proyecto de Washington para las Artes” recogió y mostró las imágenes de la polémica en su propio espacio, durante varios meses. La WPA no tenía un gran edificio, y estaban acostumbrados a recibir unos 40 visitantes cada fin de semana. Durante el primer fin de semana de la exposición de Mapplethorpe, 4000 personas se hacinaron en la galería.

Este autor además ayudó a fundar la “Robert Mapplethorpe Foundation, Inc”. Desde su muerte, la Fundación no sólo ha funcionado como su Patrimonio oficial y ayudado a promover su trabajo en todo el mundo, también ha recaudado y donado millones de dólares para financiar la investigación médica en la lucha contra el sida y la infección por el VIH.

Aquí podemos ver una de las representaciones que hizo de afroamericanos desnudos.

Esta fotografía es un autorretrato muy famoso en el cual se está introduciendo un látigo por el ano. Es una imagen de temática sadomasoquista que produjo una gran polémica.

- Miriam Olmo Ruiz, 1º Iluminación A -